Cum a modelat Clement Greenberg arta modernistă

Renumitul critic de artă Clement Greenberg a fost una dintre cele mai influente și respectate voci ale secolului XX. Cunoscut astăzi drept „vocea artei americane”, celebrarea lui îndrăzneață și deschisă a artei abstracte americane din anii 1940 și 1950 a transformat artiști, printre care Jackson Pollock, Willem de Kooning și Barnett Newman, în nume de uz casnic. Considerând că arta ar trebui distilată în cele mai pure, simple și mai poetice proprietăți ale liniei, culorii și suprafeței plane, ideile lui Greenberg au influențat o întreagă generație, determinându-le să creeze unele dintre cele mai iconice opere de artă din toate timpurile. „Modernismul”, a scris el, „a folosit arta pentru a atrage atenția asupra artei”.

Ideile timpurii ale lui Clement Greenberg

Născut în Bronx din imigranți evrei-lituanieni, Clement Greenberg a studiat literatura engleză la Universitatea Syracuse. După absolvire, s-a deplasat între locuri de muncă înainte de a-și găsi drumul în formația de scriitori și critici care se numeau intelectualii din New York, inclusiv Susan Sontag și Harold Rosenberg. Mulți erau evrei și susțineau politica de stânga, integrând teoria literară cu credințele marxiste, dar l-au respins pe Stalin, înclinându-se în schimb spre ideile liberaliste ale troțismului.

Multe dintre ideile lui Greenberg au venit inițial de la Karl Marx, în special credința că arta abstractă de avangardă a fost o îndepărtare îndrăzneață și revoluționară de la regimurile politice opresive conduse de naziști sau comuniști. O altă influență majoră asupra ideilor lui Greenberg a fost artistul și educatorul german Hans Hofmann. În 1938 și 1939, Greenberg a participat la câteva dintre prelegerile lui Hoffmann, care au subliniat importanța unei înțelegeri „formale” în artă, în care culoarea, linia, suprafața și relația dintre planuri pe o suprafață plană erau considerate mai importante decât conținutul figurativ sau literar.

Sărbătorind Avangarda

O mare parte din primele scrieri critice ale lui Clement Greenberg au apărut în Revista Partizană liberală din New York și au fost puternic influențate de ideile lui Hans Hoffmann. În Revista Partizană, Greenberg a publicat primul dintre cele mai influente eseuri ale sale, intitulat Avant-Garde and Kitsch, 1939, care a stat la baza multor idei viitoare ale sale.

În eseu, Greenberg susține că arta avangardistă de la începutul secolului al XX-lea a fost „singura cultură vie” care mai există, în timp ce apariția materialului „kitsch”, popular sau produs în serie, a fost o mare amenințare la adresa existenței sale. Argumentând că imaginea „kitsch” a fost un produs secundar al societății industrializate ieftine, ieftine, el a afirmat cu tărie că atât arta, cât și literatura ar trebui să ofere o cale către un adevăr superior dincolo de acest limbaj „degradat”. Această credință în importanța societății pentru o artă avangardistă „înaltă” axată pe proces și experimentare a fost cheia în toate ideile lui Greenberg despre artă, venind să-și informeze viitoarele eseuri de teorie și practică a artei.

Un Laocoon mai nou

Doar un an mai târziu, Clement Greenberg a publicat cel de-al doilea eseu important din punct de vedere instrumental: Către un Laocon mai nou, 1940. începuse să facă distincții între diferite medii artistice, inclusiv poezie, pictură și sculptură, argumentând modul în care fiecare avea propriul limbaj de dezvoltare distinct pe care ar trebui să îl recunoaștem și să-l apreciem.

Bazându-se pe eseul lui Lessing, ideile lui Greenberg au schițat o justificare istorică care descrie de unde provin și unde se îndrepta originea picturii moderne. El a susținut că pictura a crescut din ce în ce mai aplatizată încă din vremurile istorice, trecând dincolo de conținutul narativ sau literar spre un accent pe tiparul și suprafața abstracte, scriind:

„Dar cel mai important dintre toate, planul de imagine crește din ce în ce mai puțin adânc, aplatizându-se și apăsând împreună planurile fictive de adâncime până se întâlnesc ca unul singur pe planul real și material care este suprafața reală a pânzei. ”

Expresionismul abstract

De-a lungul anilor 1940, Clement Greenberg s-a stabilit în zona Greenwich Village din New York, unde a lucrat ca editor pentru Partisan Review, editor asociat pentru Revista de comentarii și critic pentru The Nation. El a fost unul dintre primii care au identificat și susținut lucrările școlii înfloritoare a expresionistului abstract, inclusiv Jackson Pollock, Willem de Kooning, Robert Motherwell și David Smith, iar prin scrierea sa carierele acestor artiști au fost lansate într-un punct de vedere internațional. Pe măsură ce cariera lor a crescut, a crescut și Greenberg și el a devenit un gigant pe scena artei americane, ocupând posturi de lector la Black Mountain College, Yale University, Bennington College și Princeton University, unde a avut o influență marcată asupra următoarei generații de gânditori creativi.

Criza tabloului de șevalet

Mai multe eseuri publicate în anii 1940 au permis lui Greenberg să-și extindă argumentul pentru importanța picturii abstracte, inclusiv arta abstractă, publicată în 1944 și The Crisis of the Easel Picture, 1948. În acest din urmă text, el a introdus conceptul radical și influent de imaginea „all-over”, care descrie o tendință aplatizată, repetitivă în arta americană, practicată de Jackson Pollock, Lee Krasner și Barnett Newman ca „pictură descentralizată, polifonică, all-over”, care s-a topit în „textură pură, senzație pură . ” El a susținut, de asemenea, că pictura „peste tot” a apărut ca o reacție logică la o societate industrializată, capitalistă, în care „toate distincțiile ierarhice au fost epuizate … nici o zonă sau ordin de experiență nu este nici intrinsec, nici relativ superior oricărei alte. ”

Greenberg vs. Rosenberg

Unul dintre cei mai mari rivali ai lui Clement Greenberg a fost colegul său de critică de artă Harold Rosenberg; zvonurile spun că uneori aproape că au ajuns în cătușe în timpul dezbaterilor lor grele. Deși au existat multe suprapuneri între ideile lor, Rosenberg a lăudat ceea ce el a numit „Action Painting”, un fir de abstractizare bazat pe gesturi energice, performative, practicate de Jackson Pollock, Franz Kline și Arshile Gorky. Rosenberg a susținut, de asemenea, diferiți artiști expresioniști abstrați care au readus elemente figurative sau narative în picturile lor libere și expresive, cum ar fi Willem de Kooning și Philip Guston.

În schimb, Greenberg și-a îndreptat sprijinul pentru un stil de abstracție mai pur și mai curat, respingând în mod activ ultimele studii figurative ale lui Kooning. În schimb, și-a îndreptat sprijinul către pictorii Washington Color School, cum ar fi Barnett Newman, Kenneth Nolan și Anne Truitt, care practicau un limbaj minimal, bazat pe senzațiile optice ale modelelor de culoare plat. În eseul său American-Type Painting, 1955, Greenberg a susținut că această nouă școală de pictori conduce o progresie naturală către adevărata artă modernistă.

Reacția împotriva lui Clement Greenberg

La mijlocul anilor ’60, artiștii și criticii treceau deja dincolo de extremitățile ideilor lui Clement Greenberg. Mulți au văzut punctul său de vedere ca fiind prea polarizat și dogmatic, în timp ce eliberarea de iluzionism, narațiune și emoție în pictură a înapoiat mediul într-un colț, fără nicăieri. Și, pe măsură ce critica de artă Rosalind Krauss și-a dat seama, simplificarea excesivă a artei moderniste și formaliste de către Greenberg a eradicat o mare parte din idiosincrasiile și iraționalitățile vieții. Școlile perturbatoare de Pop Art și Fluxus care au apărut în urma lui Greenberg au adus multe din diversitățile complexe ale vieții obișnuite în practici de artă de-a lungul anilor 1960 și 1970, scuturând o mare parte din ceea ce susținuse atât de vehement.

Deși reacția împotriva ideilor lui Greenberg în jurul modernismului pur și formalismului a continuat timp de câteva generații, accentul pe care l-a pus pe autoreferențialitate și pe materialitatea obiectelor de artă este o atitudine care persistă și astăzi. Mulți dintre cei mai experimentali și incitanti pictori contemporani din ziua de azi au conștientizarea unei picturi ca obiect fizic, chiar dacă acum au inundat-o cu referințe la viața modernă, așa cum este demonstrat în arta lui Callum Innes, Tomma Abts. , Fiona Rae și Peter Doig.

În timp ce viziunea oarecum simplificată a lui Greenberg despre istoria artei ca un marș singular spre abstractizare a fost în mare parte rescrisă astăzi, argumentul său că ar trebui să vedem picturile doar ca ele însele mai întâi, fără a le raporta la nimic altceva, este o atitudine care persistă și astăzi în fundal și colorează modul în care atât de mulți dintre noi privim arta, în special credința sa în artă ca o experiență unică care este „imposibil de obținut din orice altă sursă”

Citeste si

• 1. Anunț despre PUNCTUL DE PENSIE! Este răsturnare totală de situație. SURPRIZă pentru toți pensionarii din România r
• 2. Profeții îngrozitoare! Nostradamus și Baba Vanga pentru 2025: Război devastator în Europa