Jasper Johns: parcursul său spre împlinirea ca artist american

Artistul american Jasper Johns nu a lăsat niciun mediu neatins de-a lungul căutării perfecțiunii picturale. De la subvertizarea expresionismului abstract la pionieratul unei reînvieri neo-dada în New York, el este acum cel mai bine recunoscut pentru reprezentările sale de obiecte obișnuite de uz casnic, cum ar fi steagul SUA. Biografia sa strălucită evidențiază și mai mult această ilustră carieră.

Jasper Johns a cunoscut o educație turbulentă. Născut în Georgia în 1930, părinții săi au divorțat după naștere, sărind de la o rudă la alta. Și-a petrecut copilăria cu bunicii paterni din Carolina de Sud, unde s-a interesat de portretele expuse în toată casa. De atunci, Johns a știut că dorește să fie un artist, nu prea anticipează ce presupune această alegere de carieră. În timp ce frecventau Universitatea din Carolina de Sud, profesorii săi i-au recomandat să se mute la New York pentru a urmări arta, lucru pe care l-a făcut conform instrucțiunilor lor în 1948. Cu toate acestea, Parsons School of Design s-a dovedit a fi o nepotrivire educațională pentru Johns înșelați, determinându-l să renunțe la un semestru. Susceptibil de a fi înrolat în războiul coreean, a plecat în Sendai, Japonia, în 1951, unde Johns a rămas staționat până la eliberarea onorabilă din 1953. Nu știa puțin că întreaga sa viață se va schimba când se va întoarce la New York.

Când Jasper Johns și Robert Rauschenberg s-au îndrăgostit

Până în 1954, Jasper Johns lucra cu normă întreagă la Marboro Books, un lanț de magazine cu reduceri care vinde ediții depășite. Acolo, s-a întâlnit și cu un coleg de forță al naturii, cu aproape cinci ani în vârstă de vârsta sa, Robert Rauschenberg. Artistul l-a invitat pe Johns să-l ajute să decoreze afișele magazinelor pentru Bonwit Teller, iar cei doi s-au îndrăgostit rapid. În decurs de un an, au închiriat studiouri în aceeași clădire din Manhattan de pe Pearl Street, vecini prietenoși cu artista de performanță emergentă Rachel Rosenthal. Prin Rauschenberg, Johns a experimentat și o introducere neoficială în lumea artei contemporane, la care s-a simțit relativ imatur. De fapt, după ce s-au întâlnit cu colegii John Cage și Merce Cunningham, Johns s-a simțit și mai intimidat de trioul tenace. „Au fost mai experimentați și puternic motivați să facă ceea ce făceau”, a remarcat el mai târziu într-un interviu al NY Times. „Și am beneficiat de asta. Asta a întărit un fel de mișcare înainte. ” Johns și-a transformat curând frica în hotărâre.

Primul său steag

Pearl Street s-a transformat într-un epicentru al creativității datorită noilor săi rezidenți. Neodadaismul, un stil care îmbină arta înaltă cu viața de zi cu zi, s-a răspândit, de asemenea, ca focul printre cele mai impresionabile minți din New York. Jasper Johns a absorbit aceste împrejurimi proaspete, începându-și călătoria artistică în 1954, după ce visase la un colosal steag american. El și-a creat legendarul Steag (1954) a doua zi, construit folosind o metodă antică encaustică de picurare de ceară de albine fierbinte, seva de copac și pigment pe pânză. Spre deosebire de un concept opac, Johns și-a abordat subiectul ca un obiect singular, nu doar ca un simbol. Cu toate acestea, reprezentând un motiv omniprezent în tot consumismul american, Flag a ridicat o enigmă semiotică: este un steag, o pictură sau ambele? În pofida meta-filozofiei, semnificația picturii a variat și în rândul spectatorilor, care au interpretat orice, de la patriotism la opresiune. Johns a evitat în mod intenționat conotații stabilite pentru a evoca binare despre „lucruri care sunt văzute și nu privite”.

Artistul american Rise To Fame

Obiectivele sale au evoluat pe tot parcursul anului următor. În 1955, Jasper Johns a produs Target With Four Faces, un crossover între o pânză și o sculptură. Aici, ziarul scufundat în encaustic a creat straturi de efecte vizuale viscerale, legate sub patru redări tencuite ale feței inferioare a unei femei. Johns și-a îndepărtat în mod deliberat ochii modelului pentru a se asigura că publicul va fi forțat să se confrunte cu relația ambiguă dintre pictura Target și elementele tridimensionale, afirmând obiectivitatea sa cu mândrie. Expusă în cadrul unei expoziții de grup a Muzeului Evreiesc din 1957, această operă de artă care ridică sprâncenele a atras în cele din urmă atenția lui Leo Castelli. Tânărul și încurajat antreprenor tocmai și-a deschis propria galerie. În luna martie a aceluiași an, vizita lui Castelli la studioul lui Rauschenberg a deraiat rapid când a observat o altă colecție în creștere. „Când am coborât, m-am confruntat cu acea serie miraculoasă de imagini fără precedent”, și-a amintit Castelli. „Ceva pe care nu l-ai putea imagina, nou și din senin.” El i-a oferit lui Johns un spectacol solo pe loc.

Spectacol solo la galeria Leo Castelli

Primul spectacol solo din 1958 al lui Jasper Johns s-a dovedit un succes imens. Deși Castelli și-a asumat un risc expunând artistul neexperimentat, pariul său a dat roade ad infinitum, catapultându-l atât pe el cât și pe Johns spre faimă. În galeria intimă a lui Castelli atârnau impastos simbolice precum Flag, Target și cea mai nouă ediție a pictorului, Tango (1956), realizată în grafit solid pe hârtie. Criticii au revărsat Johns cu recenzii surprinzător de pozitive, semnalând un punct de cotitură monumental pentru arta modernă. Expresionismul abstract fusese făcut aproape învechit. În locul ei au apărut artiști curajoși precum Johns și Rauschenberg, o generație care a îndrăznit să sfideze granițele dincolo de un nivel de suprafață simplu. Scriind pentru New Yorker în 1980, Calvin Thompkins a rezumat cel mai bine această ocazie dramatică, susținând că Johns „a lovit lumea artei ca un meteorit”. Mulți, precum primul director al MoMA, Alfred Barr, au luat act de reverberațiile sale. Prestigioasa figură a participat la deschiderea lui Johns și a cumpărat patru tablouri pentru colecția muzeului.

De ce s-au despărțit Jasper Johns și Robert Rauschenberg?

Pe măsură ce Pop Artul policromatic a înflorit la începutul anilor 1960, Jasper Johns a fost orientat spre o paletă opusă. Mulți atribuie această schimbare de culoare sombră relației sale deteriorate cu Rauschenberg, cu care a întrerupt oficial legăturile în 1961, achiziționând un alt studio în Carolina de Sud. Spre deosebire de pânzele vesele ale lui Johns precum False Start (1959) și Painting With Two Balls (1960), lucrarea sa ulterioară a reflectat acest haos emoțional prin nuanțe triste de negru, gri și alb. Pictura mușcată de un om (1961), de exemplu, este o lucrare minusculă despre care se zvonește că ar conține urme de dinți. O compoziție dezactivată, cu un cerc desenat de busolă în colțul său, Periscope (1962) simbolizează, de asemenea, durerea sa personală, dând din cap poetului Hart Crane, care rumina frecvent despre dragoste și pierdere. Johns a explorat, de asemenea, mai multe elemente sculpturale în Painted Bronze (1960), două cutii de bere vopsite în aur spumant. Aventura sa, reprezentând bunuri produse în masă, va crea o etapă mai largă de explorare pentru viitorul său.

Explorarea temelor mai întunecate

Temele sale au devenit mai îngroșate în anii 1980. În timp ce Jasper Johns s-a preocupat odată de imagini universale sau de sensuri schimbătoare între spectatori, el și-a redus treptat atenția pentru a sublinia simbolurile istorice ale artei și posesiunile personale. Usuyuki (1981) demonstrează o tehnică îmbunătățită de încrucișare alături de progresele realizate în imprimare, folosind douăsprezece ecrane pentru a produce mai multe straturi de gradient moale. În timp ce titlul său s-a tradus în japoneză prin „zăpadă ușoară”, așa cum a spus-o, „avea zăpadă încrucișată”, avea toate calitățile care îl interesează [literalitatea, repetitivitatea, o calitate obsesivă, ordinea cu mutul și posibilitatea lipsei depline de sens. ” Cu toate acestea, prin comparație, serialul său The Seasons (1987) citește ca tematic dens, o privire intimă asupra modului în care corpurile noastre îmbătrânesc în timpul anotimpurilor. Povestind etapele carierei sale, o versiune redusă a umbrei lui Johns stătea lângă simboluri precum Mona Lisa, steagul american și un omagiu adus lui Pablo Picasso. Capodopere ca acestea s-au rarificat pe măsură ce se apropia încă un deceniu.

Păstrându-și valoarea de piață, Johns și-a redus producția artistică la aproximativ cinci tablouri pe an începând din anii ’90. Apoi s-a alăturat Academiei Naționale de Design în 1990 ca membru asociat și, până în 1994, fusese ales academician cu drepturi depline. Aproape șaizeci de ani, artistul american devenise de atunci nemulțumit de interpretări din ce în ce mai obscure ale artei sale, hotărând să elimine orice motive viitoare care necesită cunoștințe anterioare. În 1996, el a sărbătorit o retrospectivă întinsă la MoMA, cercetând peste 200 de picturi începând cu era sa timpurie a pavilionului. De asemenea, Johns și-a lărgit puțin cercurile sociale, luând în considerare o vizită cu Nan Rosenthal, consultant senior la MET, l-a inspirat să-și titleze Catenaria (1999). Loviturile largi, lungi și curvilinee au înghețat un substrat multicolor, aplicând obiecte găsite precum șipci de pin. Chiar și renunțând la simbolism pentru abstracție, Johns a continuat să-și extindă referințele alegorice în noi moduri de expresie creativă.

Acum, Johns este apreciat pentru pasiunea lui implacabilă, persistentă ca oricând, purtând ambiție copilărească. Deși producția sa de pictură a scăzut foarte mult, este imposibil să negăm lăudabila moștenire pe care o lasă în urmă. El a ascuns permanent linia dintre arta înaltă și cultura contemporană, inspirând pe toată lumea, de la legenda pop Andy Warhol la bijutierul american William Harper. Din fericire, chiar și mult după moartea sa, o reședință stabilită la domiciliul său din Connecticut va continua să încurajeze spații sigure pentru inovatori de toate felurile, fie că sunt sculptori, poeți sau dansatori. Înaintașii selectați aici prețuiesc oportunitățile de a învăța sub îndrumarea unuia dintre cei mai dinamici artiști vii din America. Dezmembrând o întreagă ierarhie din New York cu trecerea sa către pictura figurativă, Jasper Johns a străbătut modernismul cu îndrăzneală ca un om deschis ciudat, fidel lui însuși într-o epocă în care lumina reflectoarelor s-a dovedit și mai istovitoare. Este suficient să spunem că de atunci ne-a modificat percepția asupra artei vizuale pentru totdeauna.

Citeste si

• 1. Anunț despre PUNCTUL DE PENSIE! Este răsturnare totală de situație. SURPRIZă pentru toți pensionarii din România r
• 2. Profeții îngrozitoare! Nostradamus și Baba Vanga pentru 2025: Război devastator în Europa